Variación y autonomía: Los grabados de los pintores japoneses contemporáneos

Kyoji Takizawa
Curador, Museo de Artes Gráficas de la Ciudad de Machida

Percibiendo el diverso potencial del medio del grabado, en la década de 1970, los jóvenes artistas japoneses comenzaron a hacer impresiones y, al hacerlo, ampliaron la gama expresiva del arte contemporáneo en su conjunto. Si bien se han reconocido ciertos aspectos de este desarrollo, fueron principalmente los artistas que se especializaron o se concentraron en las impresiones los que sirvieron como figuras fundamentales en la fabricación de grabados contemporáneos japoneses después de la Segunda Guerra Mundial. O al menos, así es como se ve desde este punto de vista. En Europa y América, los artistas responsables de las tendencias en el arte contemporáneo hicieron historia en el grabado. Pero la evolución del grabado japonés parece ser de un desarrollo singular en el mundo.

Esta exposición no está compuesta por obras de artistas que se considera que han creado un desarrollo único o específico en la historia contemporánea del grabado japonés, sino sobre aquellas de artistas que tienden a ser vistos como jugadores de apoyo en este proceso. Hay dos razones para este enfoque.

Primero, la exposición está diseñada para arrojar luz sobre el hecho de que se desarrolló un nuevo campo a través de impresiones japonesas contemporáneas. Este campo, impresiones hechas por pintores, es notable tanto como una variación en la pintura como una forma autónoma. De este modo, las obras ayudaron a establecer el género de las impresiones japonesas contemporáneas y al mismo tiempo le proporcionaron una amplitud adecuada.

En segundo lugar, la exposición pretende animar a los espectadores a reconsiderar la historia existente de las impresiones japonesas contemporáneas. Hoy, 70 años después de la Segunda Guerra Mundial, en un momento en que las impresiones están a punto de ser olvidadas como una tendencia en el arte contemporáneo, existe la necesidad, tanto en Japón como en el extranjero, de reconsiderar la historia desde una variedad de perspectivas críticas sin pasar por alto el tema de la disolución. Las obras de los artistas en esta exposición ayudarán sin duda en este proceso.

¿Cómo llegó Japón a tener una historia tan rica del grabado contemporáneo, una historia construida por tantos artistas que se especializan en el género y que a menudo se consideran únicos en el mundo? Un factor se puede encontrar en las tendencias históricas y la evolución conceptual que dio origen al movimiento sosaku hanga (“impresiones creativas”) a principios del siglo XX. Este movimiento artístico japonés de la época más moderna surgió durante una época en la que el mercado estaba inundado de litografías de mínimo valor artístico y grabados en madera que simplemente duplicaban imágenes originales con el propósito de producción en masa, y representaba una reacción contraria de los artistas que perseguían el grabado como una forma pura de arte y con el objetivo de producir obras verdaderamente originales. Los primeros artistas en liderar activamente este nuevo movimiento de arte fueron los pintores y escultores emergentes, pero a mediados de la década de 1910 aparecieron artistas que fueron específicamente etiquetados como “grabadores” y lo eligieron como su medio principal desde el principio. A medida que el movimiento sosaku hanga cobraba impulso, el número de estos artistas se disparó, creando el contexto en el que se formó la historia moderna del grabado japonés. Más tarde, los grabadores de la posguerra, que continuaron con el legado de sus antecesores de principios del siglo XX, forjaron la historia del grabado contemporáneo en Japón.

El movimiento de sosaku hanga apoyó fuertemente el credo de “dibuja tú mismo, talla tú mismo, imprímelo tú mismo”, defendiendo el ideal de un solo impresor que realiza cada etapa del proceso de impresión. Sin embargo, este proceso fue una desviación radical del sistema prevaleciente, y los talleres de impresión dirigidos por artesanos altamente calificados, como los de Occidente, no se habían establecido ampliamente. Esto hizo difícil para los pintores y escultores sumergirse de lleno en la producción de impresiones, lo que requiere una considerable habilidad técnica. La historia del grabado moderno en Japón llegó a ser forjada inevitablemente por impresores especializados que se dedicaron a ello.

Sin embargo, esto no significa que los pintores al óleo no estuvieran comprometidos ambiciosamente en la impresión desde la era de la preguerra en adelante. Algunos pintores japoneses, que habían visitado talleres de grabado en Francia, Italia y Alemania, produjeron grabados y litografías de cobre en sesiones de capacitación técnica o en talleres de conocidos artistas, aunque el número de obras era bastante pequeño. Después de la Segunda Guerra Mundial, en la década de 1950, un número creciente de pintores trabajaron en litografía bajo la dirección de Kanzaemon Onaya, un artesano de la litografía que se había convertido en un artista creativo en el medio, y el surgimiento del peintre-graveur (pintor que también es un grabador) en Japón fue un fenómeno notable.

Más tarde, en la década de 1960, el grabado se hizo más prominente y se abrieron talleres de impresión aquí y allá, creando un ambiente en el que era normal que los artistas que trabajaban en ellos no fueran especialistas en grabado, desde pintores y escultores establecidos hasta artistas emergentes de vanguardia, para trabajar con impresores en la producción de sus propios grabados. A partir de la década de 1970, a medida que aumentaba el valor de mercado de las impresiones, un número aún mayor de artistas se dedicaron a imprimir en una amplia gama de estilos y medios, impulsando el mundo del grabado hacia adelante. Sin lugar a dudas, este entorno abierto se correlacionó con una amplia gama similar de expresión de grabados entre los pintores que no eran especialistas en impresión. Uno de los artistas presentados en esta exposición, Masanari Murai, produjo pinturas abstractas a partir de la década de 1930, y después de la guerra desarrolló un estilo modernista con gruesas líneas negras y planos de colores vivos como el rojo, azul y amarillo sobre un fondo blanco. Mientras continuaba produciendo pinturas figurativas, Murai se movió cada vez más hacia la abstracción y se involucró profundamente con la litografía en la década de 1950, y luego produjo serigrafías y grabados en madera extensamente y se hizo conocido como uno de los peintre-graveurs pioneros de Japón. Al igual que sus pinturas, sus impresiones abstractas presentaban formas audaces y claras que se lograron mediante la simplificación radical de figuras humanas o animales.

Otro artista, Toshinobu Onosato, que se había asociado con Murai desde antes de la Segunda Guerra Mundial, era un pintor que trabajaba constantemente en un modo abstracto no objetivo y geométrico, centrado en el motivo del círculo. Produciendo litografías a finales de la década de 1950 y avanzando hacia la serigrafía en la década de 1960, creó numerosos trabajos de impresión y también se le conoce como peintre-graveur. Creó impresiones alineando el trabajo de dividir fina y sistemáticamente los círculos con un proceso de grabado en el que las planchas de grabado se superponen sistemáticamente para crear la imagen terminada.

Yasukazu Tabuchi, un miembro de la generación que comenzó sus actividades creativas después de la Segunda Guerra Mundial, es un pintor que vivió y trabajó en Francia continuamente desde 1951 en adelante. Mientras exploraba las corrientes que atraviesan profundamente tanto la cultura europea como la asiática oriental, producía pinturas al óleo ricamente coloreadas repletas de sensualidad, mientras que al mismo tiempo, desde la década de 1960 hasta la década de 1980, creaba y publicaba libros de litografías, grabados de cobre y bloques de madera (algunos de los cuales presentan poesía). Otro artista, Yayoi Kusama, se mudó a Nueva York a fines de la década de 1950 y creó pinturas, esculturas y acontecimientos en Estados Unidos, en Europa y Asia, y sigue siendo vigorosamente activo hasta el día de hoy. No experimentó con rapidez el grabado, pero cuando comenzó a producir grabados, serigrafías y litografías en planchas de cobre en 1979, trabajó con imágenes de procesos infinitamente repetidos de proliferación, división, conexión y difusión, que caracterizaron su trabajo desde sus primeros días. Las técnicas duplicadas de grabado fueron un medio eficaz para multiplicar y amplificar más estos temas.

Natsuyuki Nakanishi y Tomoharu Murakami son dos pintores que no produjeron una gran cantidad de trabajos impresos, pero los grabados altamente originales que produjeron simultáneamente se relacionaron y difirieron de los cuadros que formaron el núcleo de su producción artística. El proceso de Nakanishi implica profundizar en los procesos de generación de pinturas, su ubicación, frontalidad, llanura, y su relación con el cuerpo. Los trabajos en esta exposición son de su primer portafolio de grabados, producidos con un método diferente al de sus pinturas, y caracterizados por texturas únicas que reflejan la relación entre la superficie pictórica, la tinta y el dibujo. Mientras tanto, Tomoharu Murakami es un pintor que realiza pinturas abstractas negras sólidas al tomar pequeñas cantidades de pintura en un cuchillo y repetidamente, aplicándolas metódicamente durante un largo período de tiempo. Para Murakami, como católico, esta acción parece ser un medio para comunicarse con Dios y orar. Sus impresiones se producen de manera similar, pero con un método distintivo que consiste en raspar la superficie de la piedra, aplicar tinta negra o roja, y sobreimprimirla una y otra vez, creando imágenes llenas de fe religiosa que se guían por el tema del Estaciones de la cruz (Vía Dolorosa).

En contraste con estos dos pintores, otros dos artistas, Hitoshi Nakazato y Toeko Tatsuno, estudiaron el grabado como estudiantes y se enfocaron tan intensamente en el grabado como en la pintura posterior. Nakazato es un pintor que, desde que se mudó a los Estados Unidos a principios de la década de 1960, ha creado pinturas y grabados, lo que permite que sus estilos de trabajo en estos dos medios interactúen de manera crítica entre sí. Haciendo un uso limitado de los elementos de línea, geometría y color, exploró la generación de imágenes, la ilusión, y los procesos mediante los cuales se crean impresiones y pinturas. Toeko Tatsuno también exploró constantemente y expresó temas similares, moviéndose de un lado a otro entre la pintura y el grabado. Sus trabajos en ambos medios presentaban colores y formas geométricas ricas pero suaves, derivados de elementos interiores como muebles, azulejos y paredes, y se convirtieron en espacios abstractos que trascienden los significados originales de estos motivos.

Kosai Hori es otro pintor que probó sistemáticamente la naturaleza fundamental de la pintura, empleando simultáneamente una mezcla de acrílico, barra de aceite, pigmentos minerales naturales, tinta y otros medios. En 1975 produjo serigrafías que representaban un intento de desmantelar el proceso mismo de producir cuadros, reducirlos a sus fundamentos e investigar sus orígenes, y en pinturas posteriores que podrían llamarse expresionistas, trató de reconstruirlos. Al mismo tiempo, estaba produciendo grabados como los que se presentan en esta exposición, en los que feroces trazos y líneas finas actúan en concierto para crear espacios pictóricos que parecen vibrar.

Otro pintor, Naoyoshi Hikosaka, exploró la relación entre pintura y escultura, creando “pinturas de madera” mediante la aplicación de materiales como pintura acrílica a las superficies de formas irregulares ensambladas a partir de piezas de madera. En estas superficies, grabó líneas finas inspiradas en el proceso de punta seca, desplegando el grabado en su investigación en la relación entre pintura y escultura. También ha producido prolíficamente serigrafías y litografías, como se muestra en esta exposición. Hikosaka ha explorado la naturaleza de la pintura modernista de Asia oriental al tiempo que considera las diferencias entre los estilos de pintura de Oriente y Occidente.

Sin lugar a dudas, las impresiones de los artistas que aparecen en esta exposición constituyen variaciones en el medio de la pintura, pero al mismo tiempo se destacan como obras de arte que solo se pueden realizar a través del grabado. Ver las obras de estos peintre-graveurs nos lleva a una comprensión genuina del grabado contemporáneo en Japón.

Fundación Texo para el arte contemporáneo. Mostrar lo que hace único al Paraguay a través del arte, y mostrar al Paraguay lo que hace único al arte en el mundo

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